Ha imperversato sul web con 466 milioni di visualizzazioni.
E’ stato ballato in tutto il mondo.
Ha portato in piazza milioni di persone.
E qualche giorno fa, il 15 novembre, il grande artista indiano Anish Kapoor – lo scultore che ha vinto il Turner Prize nel 1991 e che lo scorso anno si è battuto per il rilascio di Ai Weiwei – ha riunito nel suo studio di Londra, un gruppo di amici artisti per girare una parodia a sostegno di Ai Weiwei.
È il GanGnam style.
Alex Needham analizza nel suo articolo sul The Guardian”From Ai Weiwei to Anish Kapoor: the art world’s love affair the pop” questo fenomeno planetario raccontando le connessioni di arte e musica e la potenza della cultura pop.
La parodia di Anish Kapoor segue l’interpretazione fatta dallo stesso Ai il mese scorso, il quale ha inserito nel video originale delle clip con lui e i suoi amici che ballano. Il video è volato in internet, grazie soprattutto al fascino comico del grande artista che ha giocato con il K-pop, ma le autorità cinesi lo hanno considerato sovversivo e quindi e vietato. Il video di Ai era intitolato Grass Mud Horse Style, un riferimento blasfemo per le autorità cinesi che lo hanno bloccato su tutti i social network, sopratutto nel punto in cui si è visto Ai indossare delle manette – presumibilmente un esplicito riferimento alla sua detenzione all’inizio di quest’anno: gli si è stato quindi vietato di lasciare il paese.
La speranza di Kapoor è che la sua versione, co-diretta dal coreografo Akram Khan e girata insieme a ballerini, attori e musicisti, ma anche artisti, abbia la stessa portata.
Non è la prima volta che un grande successo pop viene rielaborato per farne una dichiarazione artistica e politica. E’ dal 1960, anno in cui Andy Warhol fece da impresario per i Velvet Underground e John Lennon portò Yoko Ono nel cuore della più grande band del mondo, che gli artisti tentano di scalare le classifiche. Ed è grazie alla loro amicizia con i musicisti, ad un naturale desiderio di cimentarsi con altri mezzi di comunicazione e ad un passato nelle scuole d’arte, che artisti, da Dieter Roth a Gates Theaster, hanno aggiunto concerti e registrazioni alle loro oeuvres, con risultati variabili.
Ad alcuni però il colpo è riuscito.
Nel 1982, Laurie Anderson sbalordì il mondo dell’arte, per non parlare degli spettatori di Top of the Pops, quando raggiunse il secondo posto nelle classifiche inglesi utilizzando un vocoder–laden vocals per la sua canzone O Superman.
Damien Hirst raggiunse lo stesso picco stesso 16 anni dopo con uno stile un po’ meno intellettuale, con i Fat Les, con Vindaloo, canzone non ufficiale per i mondiali di calcio in Inghliterra del 1998.
Altri preferirono prendere la strada del culto. Sam Taylor-Wood fece tre eleganti cover elettroniche con i Pet Shop Boys, includendo il pezzo di Serge Gainsbourg Je t’aime (Moi Non Plus), con un orgasmo di tintinnii fatti con i sintetizzatori.
E nessuno potrà mai dimenticare Minty, progetto musicale di Leigh Bowery, con l’artista Cerith Wyn Evans, con spettacoli che videro partorire sul palco sua moglie e dare alla luce il piccolo Nicola Bateman.
Anche Joseph Beuys, il complesso gigante dell’arte del 20 ° secolo fece un singolo pop, la canzone del 1982 si intitolava Sonne Statt Reagan. Beuys abbaiava in modo stonato le sue canzoni che contenevano messaggio anti-nucleare; esiste una clip irresistibile su YouTube di lui in unaTV tedesca, con indosso la classica divisa di jeans, un cappello di feltro e un gilet da pesca. Era così lontana dal resto della pratica di Beuys che molti critici lo trattarono come una strana aberrazione, e fu deriso più o meno come il Gangnam Style di Ai. Ma è probabile che Beuys stesse cercando di fare una dichiarazione politica importante per lui, nel modo più audience-friendly possibile. “E ‘strano – dice l’ artista David Shrigley-perchè questo ti fa capire che a Beuys non importava molto del modo in cui la gente lo percepiva.Si stava divertendo molto.”
Alcuni artisti fanno dischi semplicemente per il desiderio di fare qualcosa di completamente diverso. Altri lo vedono come un modo di espandere il loro repertorio.
Negli 11 anni successivi alla sua vittoria del Turner prize (presentato, tra l’altro, da Madonna), Martin Creed fece il record, insieme alle sue sculture e quadri, di dischi che descriveva come “one-off singles, limited-edition, homemade things”. Nel 1997, pubblicò un album con il nome della band Owada.
Creed sostiene che fare un disco, un’opera d’arte o addirittura rilasciare un’intervista faccia parte dello stesso processo creativo. (Dopo la nostra chiacchierata mi chiede un mp3 della nostra intervista, per un eventuale uso futuro.) “Lavorare su una canzone per me, non è molto diverso dal lavorare su una scultura,” dice, “nel senso che voglio fare qualcosa di eccitante, che vale la pena guardare o ascoltare. ” Ha iniziato a fare musica dopo la scuola d’arte, dopo aver avuto la sensazione che le sue sculture fossero fallimenti.”
Quando la gente li guardava non riusciva a vedere quello che avevo vissuto – ma solo quel poco che rimane alla fine del processo creativo. Se invece si ascolta un brano di musica mentre questo viene riprodotto, si ascolta qualcosa che si crea – puoi solo decidere di andare verso l’alto o verso il basso, più veloce o più lento – come una storia .
Quest’anno, Creed ha fatto il grande passo e realizzato un album a suo nome, Love You To, co-prodotto da Nick McCarthy dei Franz Ferdinand (un arte-scuola di specializzazione). Il mese scorso, la band di Creed ha conquistato un posto tra i post punk al Swn music festival in Galles; e sostenuto anche i Cribs nel circuito indie.
“Mi piace lavorare in luoghi diversi”, dice Creed. “Per questo mi piace fare musica. Sento che il mondo dell’arte è un po’ un ghetto e non voglio fare questo lavoro per un po’, non mi piace rivolgermi solo ad un’elite.
E gli dà fastidio se sente che la sua band – di cinque pezzi – viene invitata a suonare solo per la sua fama mondiale nel mondo dell’arte piuttosto che per la sua musica; ma a Swn ha partecipato una folla di gente e il suo album è stato ben recensito .
Di tanto in tanto, la musica può unirsi con l’arte per creare qualcosa di veramente spettacolare – come Warhol e i Velvet Underground quando uscirono con Exploding Plastic Inevitable, con la band che suonava a volume assordante, con le proiezioni di film, le accecanti luci stroboscopiche e una “whip dance” dell’artista-poeta Gerald Malanga.
L’influenza dell’ EPI può sentirsi nelle collisioni della pop-art da Lady Gaga alla performance dei Kraftwerk e di tutti i loro album presentati al Moma di New York questa primavera. Alla fine del mese, un festival art-rock di Colonia, Week-End, sarà caratterizzato da immagini di David Shrigley e da Stephen Malkmus propone una cover dell’album Can di Ege Bamyasi.
La maggior parte di queste band ha applicato la propria formazione artistica alla musica, ma questo processo può funzionare anche al contrario.
Elizabeth Price ha studiato alla scuola d’arte di Ruskin, co-fondatore per eccellenza negli anni ’80 della band indie Tallulah Gosh ed ora nominato premio Turner 2012.
L’artista Sue Tompkins diede vita alla band Life Without Buildings alla School of Art di Glasgow. Eppure le cose che imparò come leader del gruppo hanno influenzato le sue opere, alcune delle quali è poesia e testi. “Ho lavorato nelle gallerie, ma anche con le mie performance in un pub ” dice. “C’è un mix.”
Certo, il numero di musicisti che hanno frequentato una scuola d’arte è molto alto. Da Malcolm McLaren, che ha vissuto il suo essere manager dei Sex Pistols come una continuazione del situazionismo assorbito alla Central Saint Martins, a Brian Eno, ai tre quarti dei Clash e Jarvis Cocker.
Forse la ragione più forte per un artista di fare musica è il suo appello diretto alle emozioni, e il corpo, l’arte – arte concettuale, in particolare – è più cerebrale.
“Quando sto facendo i video o un’ opera d’arte sto aspirando alla condizione della musica”, dice Mark Leckey, un altro vincitore del Turner, che ha registrato, sotto il nome di donAteller, Jack Too Jack and Genital Panic, dalle cover dei classici del rave, come Dominator by Human Resource, agli astratti paesaggi sonori registrati per le strade di Soho.
“Così ho inevitabilmente finito per fare musica. Con l’arte, invece c’è sempre una barriera intellettuale. La musica ha un immediatezza e un effetto psichico. L’arte contemporanea nasce da una idea concettuale e ritorna come idea concettuale. Può rimanere nel regno del linguaggio, del testo, e c’è qualcosa nella musica che sfugge da questo.”
Leckey dice che ascolta due dischi – Trip II the Moon by Acen and Roadrunner di Jonathan Richman – prima di creare un’opera d’arte. “Se io potessi arrivare in qualche modo alle persone come loro arrivano a me sarei molto felice.”
Gli artisti visivi sono gelosi dei musicisti? “Oh mio Dio, sì”, dice Frances Stark, un’artista di Los Angeles, ex membro della banda Layer Cake. Anche i “collage cubisti di strumenti musicali, dice, sono più interessanti che commoventi:” La musica che fa è 10.000 volte più efficace. ”
Ma non essere brillanti in una forma d’arte significa che si può trasferire tali competenze a un altro? “Si tende ad avere più successo quando si è parte di un progetto “, dice Shrigley. “Le cose di Martin Creed sono davvero grandi, e coerenti con il suo progetto di artista, ma Yoko Ono ha tracciato una buona pista -Why Not [su Plastic Ono Band] – e buttato via il resto.
Fare musica, dice, “sarebbe un modo per combattere vanità e disperazione di mezza età e sono ansioso di evitare tale scenario”.
Questo accade a molti artisti che fanno dischi per ragioni molto più superficiali, per immergersi in un mondo più glamour dello studio e della galleria. Può essere ingiusto affermare che questo è stato ciò che ha motivato Hirst quando fu coinvolto da Fat Les nel 1998 (altri membri: Keith Allen e Alex James), ma certamente l’impressione diede era questa.
Forse alcuni degli artisti che rendono omaggio oggi al Gangnam Style avranno motivazioni simili. Ma il loro obiettivo è quello di dare sostegno ad un collega artista nel modo più tradizionale possibile, utilizzando una delle armi più forti della cultura: la potenza del pop.
[ via The Guardian ]
